martes, 29 de junio de 2010

Scientist Vs Prince Jammy - Big Showdown At King Tubby´s (1980)

Hoy amanecí con los oídos súper tapados. Sentía todos los sonidos como una vibración en mis oídos. Altiro empecé a pensar en el Dub de mis amores. Mi estilo musical predilecto, que por más que lo abandone de vez en cuando, siempre logra enamorarme de una manera u otra.

Este álbum es una joya. No es un álbum difícil de encontrar pero puta que es bueno. Básicamente, el genio que empezó realmente a trabajar el Dub es King Tubby. Pero para alimentar el mito, King Tubby tuvo dos aprendices que bebieron de la fuente original del Dub, el primero, Prince Jammy; el segundo, Scientist. En este álbum, los dos aprendices se enfrentan en la casa (estudio) del maestro, para determinar quien es el campeón de los pesos pesados del Dub. A la postre sería Scientist el vencedor, despachando otro pedazo de disco “Heavyweight Dub Champion”, pero con el paso del tiempo, y la prematura muerte de King Tubby, el príncipe del Dub Prince Jammy, se volvería el rey (Ahora es conocido como King Jammy).

El álbum data de 1980, lanzado en la discográfica Greensleeves, uno de los sellos británicos que empezó a desenfundar el movimiento en gran bretaña, produciendo artistas jamaicanos como Dr. Alimantado, Barrington Levy y Augustus Pablo.

Como lo dice su nombre, Dub significa Drum and Bass, o sea, bajo y batería, los cuales son los sonidos primordiales del estilo. A esto se agregan los otros componentes del reggae habitual, como los teclados, guitarras, trompetas; pero todo esto es manipulado desde las mesas de control de los músicos en vivo. La banda que interpreta todos estos ritmos es nada más ni nada menos que la Roots Radics Band (banda de piso del estudio Channel One), conjunto recurrente en la discografia de Scientist, que además utiliza las poderosas vocales de Barrington Levy, otra genialidad del Reggae.

Sin mas preámbulos les dejo uno de mis discos regalones para el que lo desee disfrutar, con la única recomendación de que le suba a los bajos hasta que le vibren los oídos.

(MF)

viernes, 25 de junio de 2010

Slayer - Live Undead (1985)

Este registro es increíble y me acompañó por largos años en mi personal stereo, fue lo primero que escuché de Slayer, claro que sólo en la versión con “Chemical Warfare” de bonus. Un disco en vivo que es todo lo que no tiene que ser un disco en vivo. Primero, porque en el público hay sólo algunos pocos amigos de la banda, que gritan como posesos o como si estuvieran torturándolos. Lo que no le quita chakalidad al asunto, lo aleja de las masas y le da ese toque under. Segundo, porque trae un tema en estudio. Contiene una canción que luego sería parte del EP Hunting The Chapel (y con los años sería completamente agregado, sus 4 tracks). Impresiona la calidad de la banda en su repertorio y la fidelidad del registro, sus versiones en vivo suenan monstruosas. En cuanto a las nuevas composiciones, son un adelanto de lo que vendría a ser el nuevo Slayer post Show no Mercy. Un disco para mi gato, que recientemente fue bautizado como Tom Araya.

miércoles, 23 de junio de 2010

Clutchy Hopkins - The Life Of Clutchy Hopkins (2006)

Lanzado en Crate Digler en el 2006, para perderse en el misterio.

Clutchy Hopkins es el hijo de un ingeniero de grabación del Motown. En su juventud, Clutchy viajaba por el mundo explorando música, ritmos y misticismo exótico. Trabajó en un estudio de grabación en Bombay y estudió las técnicas musicales de los indios Cahuilla, de los monjes Zen Rinzai en Japón, y de percusionistas tribales en Etiopía. En su regreso a los EE.UU en los 90`s, Clutchy trabajó como músico sesionista en discos de funk y jazz oscuro; Se rumorea que habría colaborado con Moondog.

Clutchy grabó la mayoría de la música que ha creado a lo largo de sus viajes, pero nunca tuvo en mente lanzarla comercialmente. No le gustaba que le dieran crédito en sus pegas de músico sesionista y solo aceptaba pago en efectivo por sus trabajos. Prácticamente no hay registros de su existencia. En algún momento del siglo 20, Clutchy Hopkins desapareció sin dejar rastro alguno. Su ultimo avistamiento o paradero rumoreado fue en Hawthorne, California.

En el 2005, una caja que contenía viejas cintas magnéticas, instrumentos musicales caseros y viejos artefactos electrónicos, fue descubierta en un mercado de las pulgas a las afueras de Los Angeles. El rastro de estas cintas llevaron a una mujer llamada Kelly Hopkins: la hija de Clutchy, la única persona que seguía en contacto con el. Kelly obtuvo su permiso para lanzar alguna de su música, e incluso lo convenció para que colaborara con algunos nuevos artistas. El paradero exacto de Clutchy continua siendo un misterio. Según Kelly, actualmente su padre vive en una cueva en alguna parte del desierto de Mojave.

Desde el lanzamiento de su primer álbum, The Life of Clutchy Hopkins, muchas interrogantes han surgido acerca de su verdadera identidad. Blogs, revistas y fanaticos han especulado que Clutchy podria ser la “identidad secreta” de un conocido DJ o productor. Los sospechosos incluyen a Dj Shadow, Cut Chemist, Money Mark, Madlib, Danger Mouse, y el multi-intrumentalista Shawn lee. (Que ha lanzado algunas colaboraciones con Clutchy). La verdad permanece desconocida... mientras tanto, el misterioso Sr. Hopkins continua lanzando álbumes de música nueva, para deleitar a los fans alrededor del mundo.

Concert: Kaskivano

Más info en indiegente.net

sábado, 19 de junio de 2010

Mostro - Consumido por Pájaros (2006)

Ahora que lo pienso, Mostro debe ser uno de los proyectos chilenos más experimentales que recuerde. Son una propuesta extraña, nueva y también muy misteriosa. Son algo así como el padre de Frankenstein o bien de Edward Scissorhands, desquiciados, científicos, mecánicos pero con el alma orgánica. Los hermanos: Carlos (guitarra-sintetizador) y Jaime Reinoso (batería) formaron hace años el proyecto en su casa, grabando en cintas de cassette. El proyecto Mostro no es sólo música, ellos también confeccionan sus videos, las proyecciones para los eventos en vivo, las artes de los álbumes, e intervienen en el proceso de grabación. Ahora entiendo que su trabajo es la constante lucha por plasmar el concepto bizarro y retorcido que está metido en sus cabezas. Ese sonido primitivo, matemático, reiterativo, mecánico y eléctrico adopta formas orgánicas, humanas, similar a lo que podría ser un fluido corporal. Aquel proceso es el origen de la disonancia que recorre todos los pasajes del disco. Lo raro es que por estos años ser rockero, metalero, punk o cualquier cosa, ya no es contestatario ni rupturista, pero sí lo es negarse a usar una guitarra, negarse a ser 3 en una banda, o bien negarse a usar efectos en ésta –así está compuesto el HR=01 del 2002-. No son fáciles de escuchar, tampoco son del todo agradables, pero eso no les quita para nada su valor, puesto que se convierten en una experiencia única con tintes de rabia, dolor, angustia, esquizofrenia, desenfreno, locura y libertad. Hay que decir que es un disco para escuchar varias veces, dejarlo estar, digerir de a poco. Hace unos días se supo que están próximos a lanzar una nueva placa, después de cuatro años de silencio, según ellos mismos señalan tiene menos beats, se acerca más a los timbales y pretende ser música Electro-tectónica – jajaja, ese espíritu es el que me fascina-. Este álbum podría clasificarse en... Noise, Post-rock, Krautrock, Experimental, Math-Rock. Bajen la tapa del baño despues de orinar, no pongan los codos en la mesa cuando vayan a almorzar y escupan a un mormón todas las semanas. Saludos.

jueves, 17 de junio de 2010

Jay Dee - Donuts (2006)

Me gusta el Hip-hop, y me gusta harto. No esas weas apiantas, sino el Hip-hop chileno con conciencia social. Ni ahí con el hip-hop bling bling de los gringos o de algunos chilenos últimamente. Como dice Legua York “es como tus donas, amo mis sopaipillas”. Pero hay donas y donas. Y Esta dona sí que merece la pena escucharla y saborearla, aunque provenga de gringolandia. Me refiero a Jay Dee, que estuvo siempre trabajando desde el underground, produciendo joyas para el género.

Jay Dee fue un productor que tuvo una carrera alucinante si se refiere al movimiento estadounidense de hip-hop underground, partiendo porque fue fundador del renombrado grupo Slum Village, siguió su carrera produciendo casi en el anonimato pistas para artistas de la talla de A Tribe Called Quest, Common, Erykah Badu, Talib Kweli, y trabajó en conjunto con Madlib, otro grande del movimiento, en el duo Jaylib.

Aun así, se despachó discos en solo, el último de ellos "Donuts", del año 2006, lanzado en Stones Throw Records, una de las, sino la discográfica mas importante del hip-hop no-comercial gringo, ese hip-hop que pasa desapercibido pero que retumba fuerte en el submundo.

Armado con su MPC y una sinfinidad de samples, Jay Dee nos entrega una pieza angular del hip-hop. Un disco conceptual que entrega una cantidad de estímulos demasiado importantes como para pasar desapercibidos. Samples del Funk africano, del Soul de los 70´, de Jazz, de música clásica contemporánea, y hasta de comerciales de radio y televisión, convierten a "Donuts" en un circulo vicioso en el que vale la pena enviciarse.

Si hablo en pasado, es porque Jay Dee falleció tres días después de lanzar este disco, dejándolo para la posteridad y para el disfrute de quien quiera apreciarlo. Si uno escucha el disco en orden, se dará cuenta que el disco en si es como una dona, como un circulo. Cuando termina, empieza y cuando empieza termina, alineando los samples para lograr el infinito. Y en el infinito esta este disco que realmente es un deleite escuchar.

Recomendadas: Todas, en orden conceptual.

(MF)

Pearl Jam-No Code (1996)

El disco más polémico de Pearl Jam. Se quisieron sacudir del éxito comercial de sus anteriores álbumes y el sonido Grunge que venían cultivando. Son tracks completamente acústicos o completamente eléctricos, pero en definitiva son todos muy diferentes a los que venían produciendo. Aparece una canción hablada ("I´m Open"), entre otras cosas interesantes, se puede decir que incursionan cada vez más en el los keyboards y sus derivados Participa en las voces, por primera vez , Stone Gossard y ese increible tema que es “Mankind”. Aparecen puntos de vistas más reflexivos, como los expuestos en la tremenda “Present Tense”, “… you can spend your time alone redigesting past regrets / or you can come to terms and realice / you're the only one who cannot forgive yourself / makes much more sense to live in the present tense…”. Incluso hay algunos coros tribales dando vueltas por ahí. Algunos tracks más urgentes y duros, como “Lukin” y “Habit”. También, sonidos cargados de fuzz y hard rock en “Red Mosquito”. Todo el tributo a Neil Young de “Off He Goes” y algo de Tom Petty en “Smile”. Bueno, el inicio del disco es muy clásico y fue, quizás, lo más conocido y aceptado por los fans más acerrimos. Un álbum para acompañar estas lluvias. Coma sopaipillas, aplíquele chancaca, o palta con ajo , también podría ser su buen mate con agua loca y un calzón roto para la once. Compartan su música y no pirateen.

sábado, 12 de junio de 2010

DJ Krush - Zen (2001)

Lo pude conocer por su colaboración con Ronny Jordan, músico que ya subimos hace tiempo. Hablo de Hideaki Ishi, artista que dejó su pasado delictivo en la calles de Tokio para transformarse en DJ Krush. Cuestión que le salvó la vida. Pero su pasado le sirvió para que su estilo adquiriera una forma completamente extraña. En sus inicios sus composiciones eran bastante toscas y repetitivas, pero su fórmula con los años adquirió una profundidad insospechada. Quizás podríamos decir reflexiva y un tanto azulada. Como si ese color tiñera cada uno de su tracks, otorgándoles una sutil melancolía. También es mimbro de Ninja Tune, sello especializado en el lado más experimental del Hip-hop y la Electrónica. Subimos "Zen", su sexto álbum, en donde se aprecia todo el abanico de posibilidades que puede abarcar este DJ, tenemos Hip Hop con tremendos Mc´s, Drum and Base nebuloso, Trip Hop con tintes Jazz, Ambient oriental y cuestiones más experimentales. Entre su colaboradores, para esta ocación, se cuentan: Company Flow, Zap Mama, Though y un largo etc. Música para acompañar unos cocktails o viajar en una fresca y lluviosa mañana . Compartan su música y no pirateen.

jueves, 10 de junio de 2010

Gluecifer - Head to Head Boredom (1994)

Pura velocidad y sonido retro. Acá te puedes encontrar con la escuela Misfits y de Motorhead, pero también la garagera de Stooges y Ramones. Por su puesto que también están presentes las enseñanzas de los New York Dolls y The Sonics. Una increíble amalgama de estilos y tendencias. Que te ponen a mil por hora, música especialmente creada para estar montado sobre ruedas, del estilo que sean. Y son de Noruega, un país que tiene una tremenda escena de Metal. Pero estos Gluecifer se van por lo más clásico. Son dinámicos y entretenidos, pero siempre con furia. Este álbum recopila sus primeros 7 pulgadas y llegaron a mis manos, hace unos 5 años, directamente recomendados desde Holanda, donde viven sus colegas de Peter Pan Speedrock, otro camotazo de rock and roll. Compartan su música y no pirateen.

Mad Season - Above (1994)

En algunas ocasiones personas cercanas me han contado que prefieren un lugar seco para colocar sus huesos, lo más alejado posible de la lluvia o el agua. Para evitar el frío o la humedad, en la lomita perfecta de los parques cementerios. Otras, que sus cuerpos sean quemados y vertidos directamente al mar. Y claro… uno queda perplejo, como si supieran algo más. Este disco se había colocado anteriormente, pero su link está muerto. Es un trabajo bastante personal, que coincidió con el mal pasar de sus miembros, casi todos con problemas de drogas y el ánimo por el suelo. "My pain is self-chosen / At least, so The Prophet says / I could either burn / Or cut off my pride and buy some time / A head full of lies is the weight / tied to my waist… (River of Deceit )" . Bueno, está a punto de llover en esta ciudad y todo se tiñe de plomo. De esta banda ya no queda nada, John Baker y Layne Staley, dos buenos amigos, murieron a causa de sus adicciones. Ojalá se encuentren donde quisieron estar. Compartan su música y no pirateen.

martes, 8 de junio de 2010

Morr Music V.A. - A Letter to Rosario (2002)

Un onírico recopilatorio del sello alemán Morr Music, el que me ayuda a dormir de vez en cuando. Lo prefiero a contar ovejas. En algunas ocasiones sus sonidos se cuelan entre algunos sueños. Aunque no lo crean. Así lo hago, lo dejo dando vueltas toda la noche e inevitablemente se transforma un soundtrack para la otra dimensión. Vienen recopiladas bandas y solistas increíbles, como Múm, Ms. John Soda y Lali Puna, entre muchos otros. Todos los tracks tienen un sentido experimental, que le otorga una belleza extraña al sonido de Morr Music. La electrónica nunca había sonada tan humana, se aleja por completo de la frialdad binaria de algunos exponentes. Un disco que lo tenía perdido hace años y que gracias a los blogs de descarga directa lo pude recuperar. Increíble. Compartan su música y no pirateen.

Los Mil Jinetes - Reconoceronte (2009)

Recuerdo que hace unos años escuche a los Fother Muckers y quedé con una rara primera impresión: eran nuevitos, un buen nombre (que todavía me da risa), estaban sonando en la radio, tenían un aire Indie, eran pegajosos, los asocié como a unos Bunkers renovados (ajaj). No me llamaron mucho la atención, fue como "mmm, más de lo mismo"... hasta que escuché a Los Mil Jinetes, proyecto paralelo de Cristobal Briceño -lider?, guitarra y vos-. Estaba equivocado, eso es cierto. El 2009 Cazador (Matador records chileno?), el sello independiente que estaba cobijando a los Fother Muckers, libera a la red el segundo de Los Mil Jinetes llamado "Reconoceronte". Es un disco parejito y compacto, que suena facilmente de inicio a fin, con un sonido común que habla de calidez, soledad, ocio, olvido y amor. Me gusta mucho saber que briceño ha tenido un crecimiento a nivel musical que lo lleva a sonar así, se ha reencontrado con sus raíces. Y, queriéndolo o no, se emancipó de una vez por todas de todo referente que se le pudiera colgar. Los Mil Jinetes se asemeja a una joyita única encontrada entre árboles frutales, pulida en la ciudad con mucha delicadesa y calma, y entregada con cariño a todos nosotros. A ratos suena como la progresión de un bolero, una canción andina, una canción fogatera, soundtrack de película de vaqueros, a un trotecito o una canción chilota. Melodias ingenuas trabajadas a fondo, con arreglos realmente hermosos, mucho de nostalgia y una sencillez que habla de sinceridad en el trabajo realizado. Un suspiro en la música de este lado del mundo, sin grandes pretenciones pero con mucha dedicación -hay un trabajo grafico dentro del disco que también es muy lindo, con letras, agradecimientos, fotografias, animaciones - hacen que haya un sonido renovado que parece acorde a una evolución natural. Las letras son otro fuerte de los Mil Jinetes, todas llegan: Le pido al tiempo /y a las circunstancias /que porfavor nunca me hagan /tan adulto como para olvidar

Supercabrón - Ferwerdemo (2004)

A estas alturas creo que Supercabrón es de las bandas independientes penquistas que ha tenido mayor repercusión a nivel nacional, se han paseado por casi todas las regiones de Chile y también han viajado hasta Argentina un par de veces. Pero mas allá de su largo alcance, creo que su valor está en lo plasmado en sus discos y sus actuaciones en vivo. Se suma a esto su gran labor en lo que se hace llamar Discos Macuto. Espacio pequeño, pero fecundo , que busca levantar un segmento del under de Conce y Valpo. Subo el Fewerdemo, publicado hace ya seis años de forma amateur. Me gusta mucho el sonido que tiene Supercabrón en aquel momento, muy experimental y aún no se metían de lleno en las voces de Alex Vigore, como en los discos que editarán más adelante. Se ven más claritas las influencias por que llevaban menos tiempo tocando y su sonido aun estaba en proceso de definirse completamente. Son 6 temas: Entrando a la Vena - Espesor - Puro Rock - Gato Japonés - Manchi - Franciskiño Saca Dos. Es puro Rock y se nota la veta más Stoner-Grunge que van a explotar más adelante. Gato japonés y Manchi tienen algo muy propio, el combo bajo-batería es consistente y la guitarra se encarga de jugar en las líneas melódicas. En Manchi me acuerdo mucho de Sonic Youth, de ese noise con un sabor nostálgico y triste. Franciskiño Saca Dos es un tema intermedio, que mezcla los dos sonidos anteriores, se inicia muy "nirvanero" y se desarrolla con Noise y algo de Post-Rock. Espesor es Stoner. Les dejo un video que no tiene que ver con el demo, es como una jam con el Goli Cobain, perdón, Gaete (ex Tsunamis). Me gusta caleta como suena. ¡Ahh! y había cometido un error, así que está en 2 pedasos el disco.

lunes, 7 de junio de 2010

The Cinematic Orchestra - A Man With A Movie Camera (2003)

El otro día estaba viendo un documental de una niña de cuatro años que pintaba cuadros surrealistas a lo Jackson Pollock o Picasso, y aparte de la gran controversia del documental, me di cuenta que algunas partes contaban con música de The Cinematic Orchestra.

Llegue a esta banda inglesa hace algunos años mirando lo nuevo de Ninja Tunes, uno de mis sellos favoritos y me vi gratamente sorprendido.

El nombre de la banda indica un poco a donde quiere llegar el grupo, La Orquesta Cinematográfica entrega un ambiente y un contexto privilegiado para retratar en cine. No es nada ostentoso, nada atrevido, solamente un Jazz Ambiental con tintes de Hip-Hop y Electrónica, que entregan tanto reflexión como acción. Y en ese contexto logran su cometido a cabalidad.

Este disco en particular, "A Man With a Movie Camera", es uno de mis favoritos del grupo, el cual fue pensado para musicalizar la homónima obra maestra muda de Dziga Vertov (1929), en la cual se retrata desde una perspectiva marxista, la conexión entre hombre-máquina en los medios de producción, y no sólo cómo el hombre controla la máquina, si no que el hombre representado como una máquina. El hombre que es la fuerza medular de la producción moderna, retratado por una persona con una cámara, retratado por un grupo que es capaz de entregar paisajes imaginarios profundos, con recursos precisos y preciosos.

Recomendadas: The Awakening of a Woman, Work It!, Theme de Yoyo, Drunken Tune, All Things.

(MF)

viernes, 4 de junio de 2010

Ramones -Too Tough to Die (1984)

Vamos con otro de los Ramones, lamentablemente ya no está Marky Ramone, en aquella época el hombre se hizo daño con el alcohol y decidió ponerle punto final a su adicción. Dejando la banda. En su remplazo presentan a Richie Ramone, un jovencito que reprodujo y aceleró el estilo de tocar de Marky. Venían cansados de intentar disco tras disco transformarse en un éxito radial y las malas ondas entre los integrantes ya no daban para más, eso queda de manifiesto en su anterior trabajo, Subterranean Jungle (1983). Un álbum mal producido, de pésimo sonido y poca creatividad. Considerado una basura, quizás lo terminaron rápido para no verse más las caras. En todo caso, es aquí donde Dee Dee Ramone, el más creativo de los de Forest Hills, salva la situación, componiendo casi la totalidad del disco. Como grupo adquieren un estilo más pesado y veloz. Desde Too Tough to Die en adelante, los Ramones toman un segundo aire, renovando y ampliando el espectro de seguidores. Lamentablemente Richie sólo los acompañará en dos entregas más, Animal Boy (1986) y el tremendo Halfway to Sanity (1987). En todo caso deja para la posteridad una increible trilogía. Su retiro se debe a que no era considerado en la regalías de las ventas de poleras, una cantidad considerable de dinero, y manda toda a la mierda. En cuanto al contenido de "Muy Duro Para Morir", hay algunos clásicos como "Wart Hog", "Chasin The Night"," Durango 95", "Daytime Dilemma (Dangers of Love)", etc. Esta es la edición remasterizada que incluye algunos demos y un gran cover de los Rolling Stones, "Street Fighting Man". Compartan su música y no pirateen.

jueves, 3 de junio de 2010

Skunk Anansie - Post Orgasmic Chill (1999)

Bueno, hace años que no le daba una escuchada a esto, apelo a la nostalgia. Skunk Anansie es una banda inglesa, que en su tercer disco alcanzó a llamar la atención en Gringolandia y con su consiguiente éxito terminó alcanzando nuestras orejas, aunque en Europa ya eran bastante conocidos. Quien la lleva es una estilizada hembra, mejor conocida como “Skin” (Deborah Anne Dyer), quien se encarga de las voces. Su sonido se caracteriza por mezclar partes más pesadas y otras bastante suaves y melódicas (derechamente pop). Mucha potencia y rabia de parte de Skin, quien también se desmarca de sus colegas con temáticas feministas. Creo que todas las baladas del álbum fueron conocidas, de alguna u otra forma. Eso, compartan su música y no pirateen.